오쿠나카 아키히토《INTER-WORLD/Cocooner: Apparent motion of celestial bodies》

 

사카우에 요시타로
BB 플라자 미술관 명예 고문·모토 이타미 시립 미술관 관장

● 시작하기

1990년대 이후 가속화하는 국제화 속에서 현대미술이 고정화, 공동화되어 생활에서 멀어지고 역사와도 멀어져 있는 것은 아닐까.
저는 사회의 가치관의 다양화 속에서 우리 선인이 쌓아온 '문화·예술의 전통'을 계승해 사회사상을 작품에 비추는 작가들이 'Study: 오사카 간사이 국제예술제'에 모여 제작 발표한 많은 작품을 볼 기회를 얻었다.
오사카 · 간사이 박람회의 개최에 맞추어 「Study : 오사카 간사이 국제 예술제 2025」가 세계 20 개국의 아티스트를 맞이하여 「소셜 임팩트」를 테마로 꾸며 문화 예술에 의한 경제 활성화화와 현재의 사회 과제 등의 가시화를 목표로 오사카 시내의 각 장소에서.

 

●제1장 다양한 세계에의 막상 EXPO PUBLIC ART

나는 올여름 오사카 시내 4곳의 회장을 방문했다. 먼저 인공섬 '유메시마'의 박람회장에 설치된 몇몇 퍼블릭 아트를 소개하고 싶다. 컨셉은 “다양한 세계로 초대”. 덧붙여서 퍼블릭 아트란 1960년대 미국에서 태어난 말이며 ‘공공공간의 예술작품’으로 바꿀 수 있지만 그 의미는 극히 모호하다.
큰 지붕 링을 등에 얹은 모리 만리코의 나비시장인 《Cycloid Ⅲ》은 소재의 알루미늄이 하얗게 빛나고, 작품의 상승 지향과 함께 뫼비우스의 띠처럼 빛나 깨끗한 조각 작품이다. Cycloid(사이클로이드)는 원이 있는 규칙 하에서 회전할 때 그리는 궤적의 총칭이다.
서론이면서 퍼블릭 아트는 입체조형작품만을 가리키는 것이 아니다. 그런 한 가지 예가 허시구치린타로우의 《anima harmonizer》라는 제목의 가로장 벽화이다. 제목은 "영혼을 조화시켜 연주하는 자"를 의미하는 조어라는 것. 블랙을 베이스로 흰색의 도료로, 스피드감 넘치는 선 묘화에는, 작가가 말하는 「도료로부터 태어나는 생물로서의 문자」가, 단번에 아오성에 흰색의 도료를 해 광희 난무하는 경치와 같이 비친다.

 

작품 설치 장소에 식수된 나무들을 앞에 타다아키 아스카에 의한 전체 길이 약 13미터의 거대 벽면 아트《숲의 길-푸른 숲》은 압권의 허실 공간을 낳고 있다. 저는 작품을 감상하면서 田﨑가 말하는 「색은 마음이 듣고 있다」라는 말을 반추하고 있었다. 우리는 직립하는 나무를 앞에 둔 벽면에 그려진 나무를 응시하고 있다고 해서, 불가사의한 세계에 초대되고 있는 것을 깨닫게 될 것이다.
이번 퍼블릭 아트 속에서 작품 내에 들어갈 수 있는 《INTER-WORLD/Cocooner:Apparent motion of celestial bodies》(Cocooner는 속어)는 주위에 이채를 내고 있다. 타원형의 작품은 겉보기 고치를 상기시킨다. 공기로 부풀린 깊이 약 14미터의 고치 모양의 작품 안으로 들어가서 잠자리에 빠지면서 「공기나 물이나 태양을 느껴 주었으면 한다」라고 작가의 안중장인은 말한다. 과연 연일의 무더위로, 낮에는 들어가는 일은 이루어지지 않고, 저녁 이후는 넣는 관객 참가 체험형 작품이다. 나는 특별히 수십 초 정도 안에 넣어 받았다. 조속히 침전 상부를 올려다보면, 왠지 탄력성 있는 바닥면도 있어 어머니의 태내에 있는 것 같은 착각을 맛봤다.

 

히와 카즈히코의 작품《HIWADROME:type_ark_spec2》은 멀리서도 백색과 소소가 빛나는 입체조형이다. 흰색에 도포 된 휠체어가 쌓여 있고, 일부 바퀴에는 종이 끼워져 태양의 빛을 받아 반사하고있다. 작가 자신이 일상생활에 휠체어를 사용하고 있다. 내가 건강한 사람과 몸에 장애가 있는 사람과의 공생을 바라는 제작 의도라고 생각하면서 작품 내를 주시하고 있다고 비둘기가 있다는 것을 깨달았다. 아마 엑스포의 회기 중에 비둘기가 둥지 만들기를 하고 서식하고 있을 것이다. 놀라움과 함께 이상한 광경에 마음이 따뜻해지는 감개를 기억했다.
만국박람회 회장 내에서 특히 빛을 발한 프라이머리 스트럭처의 《Hard Boiled Daydream (Sculpture/Spook/Osaka)》의 작가는 가네우지 텟페이다. 작품은 조각적이라기보다는 오히려 반조각적일 것이다. 화려하고 면적인 재료의 구조물은, 색채를 평탄하게 도포한 표면 처리에 의해 회화적인 효과를 가져오고 있다. 더불어 무게를 없애 공간에 확산해 나가는 무중량성과 같은 시각성을 강하게 해 개방적인 공간을 창출하고 있는 출색 작품이다.

 

벽화의 대작《희망의 계보》에 대해, 지금 예술제의 공식 카탈로그에, 「우키요에에서 만화, 그리고 석화로부터 벽면에. 작품은, 에도시대에 활약한 가가와 쿠니요시의 《사누키인 현속을 하고 이래 아침을 스쿠후도》를 밑바닥에, 흑지상에 전통적인 일본식 무늬를 서브 컬쳐와 융합시킨 작가의 BAKI무늬로 그려져 있다. 전통 문양도 구사한 화면은 신가부키의 한 장면을 보고 있는 것 같다.
조각가의 부장 아츠야는 서쪽 게이트 근처에 하트 모양의 다섯 돌을 배치했다. 세계의 5대륙에서 각각 조각한 돌을 기간 중 박람회의 입장자와 연마함으로써 나라와 문화를 넘은 인류의 영구적인 소원이다. '사랑'과 '평화'의 공유를 의도한 후장. 참가 체험형의 'Love Stone Project EXPO 2025'는 전세계 사람들이 연마함으로써 박람회의 기억이 되어 돌의 빛으로 마음이 이어지는 세계를 비추는 것이다.
화려한 박람회 회장 내의 퍼블릭 아트들은 때로는 기념 사진의 배경이 되어, 고치 모양의 작품 내에 초대하거나 5대륙의 돌을 닦는 등의 설영에 의해, 공공 공간에서 완수하는 조각 예술의 존재감을 발휘하고 있다.
각 파빌리온에 입장하는 관객의 긴 뱀의 줄과는 반대로, 회장 내의 퍼블릭 아트들은 관객에게 죄송하지 않은 것에 호감을 안았다.

 

●제2장 사람·생명에 대한 고찰-리셰이프드·리얼리티：하이퍼 리얼리즘 조각의 50년-

바다를 사이에 두고 박람회 회장의 동쪽에 있는 오사카 문화관 텐포잔(구 산토리 뮤지엄)에서는, 하이퍼 리얼리즘 조각의 50년을 거슬러 올라가는 「리셰이프드 리얼리티」전이 열리고 있다.
본전은 독일의 연구기관 IKA(인스티튜트 포 컬쳐럴 익스체인지)가 기획한 순회전으로, 27조 39점의 하이퍼리얼리즘 조각의 신체 표현을 통해 인간의 본질이란 무엇인가의 재흥을 기획하고 있다.

 

여기에서는 내가 인상에 남은 작품을 조금 소개하고 싶다. 두에인 핸슨의 《Body builder》는 벤치 프레스의 받침대에 자리 잡고 있는 등신대의 작품으로, 진짜 인간과 잘못할 정도로 정교하게 만들어져 있다. 한슨은 1960년경부터 실존하는 미국인의 형태를 취해 폴리에스테르 수지나 유리 섬유로 조형화하고 있다. 작품은 눈을 뜬 물건에 거슬러 올라가는 육체미의 보디빌더로부터 이상화된 아메리칸 드림의 본질을 표현하고 있는 것과 동시에 일상의 권태감, 허무감이 조각에 감돌고 있다. 우리는 작품의 리얼함에 무심코 자신의 모습을 투영하고 실상과 허상을 왕환해 버린다.
회장에서 눈에 띄는 프랑스인 다니엘 퍼먼의 'Caroline'은 벽을 향해 서 있는 여성상이다. 그녀의 팔과 머리는 스웨터 속에 숨어 있어 상완을 벽에 착용한 모습에서 고뇌와 절망의 순간을 관객에게 상기시키는 작품이다. 또 후향의 모습이 우리의 상상력을 더욱 높이는 효과를 조출하고 있다.
여성상은 혼자 묵극을 연기하고 있는 것도 기억하고, 영원히 뭔가를 기다리고 있는 것 같다.
조각의 스케일감은, 작품의 크고 작은 것으로는 측정할 수 없는 것을 실감시켜 주는 론 뮤에크(오스트레일리아 출신)의《Untitled(Man in a sheet)》에 많은 관객은 침사묵고하는 것이다. 하얀 시트에 싸인 아주 작은 노인의 표정으로는 정신적 외로움이 풍겨 지각 거리를 체감하게 된다. 임팩트가 있는 소품이다.
우리는 인간이라는 한 가지 의미를 다시 묻어야 할 것이다.
호주인 작가의 샘 징크스의 무릎을 껴안고 앉는 벌거벗은 부상 《Seated Woman》의 머리에는 천연 모발이 사용되어 매우 높은 기술을 엿볼 수 있다. 또한 높이 73cm의 인체 스케일이면서 여성의 약점과 생명의 어리석음이 조용히 전해진다. 침사묵고를 강요당하는 포즈다. 시민사회 속에서 밀실화하고 있는 개인에 대한 질문일까.
마찬가지로 호주인 작가 패트리샤 피치니니의 소녀상은 이화감을 느끼는 신체의 털 깊이다. 소녀의 두 팔에는 돌연변이 같은 작은 생물을 소중히 품고 있다. 응시하고 있으면, 인간이란 무엇인가라는 질문이 우리에게 던져지고 있다는 것을 깨닫는 상으로, 조용함과 어리석음이 전해져 온다.
본전의 하이퍼 리얼리즘의 궤적을 통람해, 많은 작가에 의한 정교한 인체 표현으로부터, 인간이란 무엇인가를 고찰할 기회를 가진 것은 나 혼자만이 아닐 것이다. 그리고 우리는 진짜와 혼란스러운 막 조각에는 현실화할지도 모르는 불안을 연상시키는 리얼함을 느낄 것이다.
굉장할지도 모르지만, 하이퍼 리얼리즘의 인체 조각군이, 조용한 공간에 자리 잡은 장면을 이루고, 안이한 감상 등 연주하는 존재감을 발하고 있는 전시가 되고 있다. 저는 본전을 통해서 소재와 수법은 바뀌어도 표현되고 있는 보편적인 인간의 본질에 대해 침사묵고를 강요당했다.

 

● 제4장 변용하는 거리에서의 아트의 가능성 - 포기하지않아. 가마가사키 아트 센터

나는 수십 년 만에 '가마가사키'를 방문했다. 「가마가사키」라고 불리는 지구는 오사카시 니시나리구의 북동부에 위치해 0.62km² 에 약 2만 3천명의 인구를 가지고 있다. 한편, 인구의 약 40%가 고령자로, 약 845백 가구가 생활보호가구라는 숫자가 보고되고 있다. 그리고 2021년도의 조사에서는 노상생활자의 사람이 943명으로 보고되었다. '가마가사키'는 지금도 일자리 노동자와 저소득자의 사람들이 모여 저렴한 주거지를 찾아 살고 있는 거리이다.
고도 경제성장기에는 '일 고용노동자의 거리'로 기능하며 간이숙소(도야)와 저렴한 음식점 등이 늘어서 이른바 '도야가'로도 알려져 있다. 현재도 간이숙박소나 일일 아파트 등이 약 74채 정도가 밀집하고 있다.
1966년 니시나리 지구에서의 폭동 후 행정이 중심이 되어 '가마가사키'의 이미지인 '노동자의 거리'에서 '복지의 거리'로 옮기는 것을 염두에 '아이린(애인) 지구'라는 행정상의 호칭을 내걸었다.
그리고 1970년 오사카 박람회를 향한 회장 건설과 오사카의 도시 인프라 정비, 간사이권 건설·토목 사업 등 노동력 담당자로서 많은 노동자가 '가마가사키'에서 종사했다.
그런데 버블경제 파탄에 의한 건설산업 불황과 건설현장의 기계화로 인한 일 감소 등으로 노상생활자가 증가한다. 현재는 노동자의 고령화가 진행됨과 동시에 인바운드의 영향에서 외국인 관광객을 위한 숙박소로 변천하고 있다.
그동안 '가마가사키'의 독자적인 문화와 커뮤니티가 지역사람들과 많은 자원봉사자, 지원자들에 의해 형성되어 왔다. 지금도 사회과제와 대치하고 지원활동에 적극적으로 임하고 있는 개인과 단체의 존재는 존중되어야 한다.

 

처음에 kioku 수예관 “탄수”를 들여다 보았다. 키오쿠 수예관 '단스'는 지역 여성들의 수공예에 의한 패션 브랜드 숍이다. 2018년에 시작한 니시나리발의 공방 겸 숍에서는, 지역에서 모인 담요·천을 활용한 오리지널 상품을 전시 판매하고 있다. 앞의 오사카 공습에 타지 않고 남은 목조 가옥을 리뉴얼한 인정미 넘치는 숍이다. 가게 이름에서 알 수 있듯이, 가게 안에는 몇 가지 낡은 箪笥(단스)가 생활의 영업을 상징하는 것처럼 느껴지는 것이 인상적이다. 또, 니시나리 지역에 거주하는 재일 외국인과의 공동 제작에 의한 오리지날 웨어 등에도, 수제의 따뜻한 맛이 꿰매어지고 있다. 제작자와 구매자의 커뮤니케이션의 고리가 펼쳐지기를 바란다.

 

다음으로 산노 하모니카 나가야를 리뉴얼한 카페 근처로 향했다. 이곳에서는 ‘마에토 오시로, 마나카토 스미코’를 표방해 해외에서 여행하는 여행자나 지역 주민들과 차를 마시면서 대화를 즐긴다고 한다. 때로는 가마가사키 연고의 아티스트와 아시아 각지의 아티스트들의 작품도 소개하고 있다. 이 공간이 지역 사람들과 해외 사람들과의 교류를 통해 개성 있는 아트 공간으로 전개하는 데 기대를 갖고 싶다.

나는 히사카타만에 동물원 앞 상가를 방문했다. 그 상가에 있는 게스트하우스와 카페와 정원
가마가사키 예술대학(코코룸)에 발을 디디었다. 거기서의 슬로건은, 「포기하지않아. 가마가사키 아트 센터」. 겉으로는 다방이 가득한 건물은 아트 NPO 코코룸이 운영에 해당하는 가마가사키 예술대학이다. 지역 사람들 등의 그림, 시, 하이쿠, 책, 사진 등의 전시나 게스트하우스 등의 상태의 모리자와의 활동을 2003년경부터 실시하고 있다. 아트센터 내에는 북카페와 코코룸의 방, 시인의 방, 배우의 방 등 독특한 방명이 명명되어 있다.

 

또한 코코룸에 모이는 사람들의 '만들고 있다'영위는 사회적, 생활적이라는 살아있는 환경과 조건으로 성립하고 있다고도 말할 수 있다. 생활장의 의식을 예술의 생성발전에 연결하고 있는 가마가사키예술대학의 존재는 소중한 마음의 거처인 것이다.
구분 정원에 세워진 ‘가마다이 묘진’은 2019년 지역 사람들과 자원봉사자들의 공동 작업으로 만들어진 우물을 축제하는 명칭이다. 지금도 만만과 물을 빚어내는 "마음을 연결하는(연대)"의 우물이라고 해도 지장이 없을 것이다. 무엇보다 시설 내의 천장과 벽에 좁게 그려지거나 붙여져 있는 다채로운 작품은 지역과의 연대를 상징하는 에너지의 아트일 것이다. 시류에 농락당하면서도 걷는 사람들에게 경의를 표하고 싶다.

 

●제5장 동서남북, 문화의 교차하는 거리-Re:Human-새로운 인간의 조건-

 

회장은 1970년 만박 전년에 지어진 '선장 엑셀빌'이다. '선장'은 전국에서 사람과 부와 정보를 집적한 경제도시 오사카로서 금융·약·섬유·수입잡화 등을 다루는 많은 간옥에서 붐비고 있었다.
「선장」은, 북쪽은 토사호리카와, 남쪽은 나가호리강(현재의 나가호리 거리), 동쪽은 토요코호리강(현재의 한신 고속 남행선), 서쪽은 니시요코호리가와(한신 고속 북행선)로 구분된 남북 약 2km, 동서 약 1km의 지역을 말한다.
회장이 있는 주변은 일본 3대 섬유 도매상가의 하나였지만, 1970년 만박을 경계로 경제와 정보의 중심이 도쿄로 옮겨진 것, IT혁명에 의한 오피스 빌딩의 기능 진화 등의 파도로 선장의 거리에도 큰 전환이 강요되어 과거의 활기차게 보인다.
본전에서는 이런 배경을 바탕으로 '앞으로의 인간', '변하는 것과 변하지 않는 것', '더 나은 삶의 방식'을 테마에 도전한 아티스트들의 작품을 전시하고 있었다.
처음 만난 것은 슈조 아즈치 갈리버의 "달콤한 생활 / 처녀자리"의 설치에 의한 V 자형 침대이다. 갈리버가 오랫동안 임하는 ‘ATCG’ 시리즈는 DNA를 구성하는 염기――아데닌(A), 티민(T), 시토신(C), 구아닌(G)을 나타내는 4영자의 배열을 다양한 형태로 조합하여 작품화하고 있다.
특히 최초의 전시의 V자형의 2개의 침대로부터, 인간의 생식 행위에 유전 정보의 교환을 전망하고 있는지 생각했다. 또, 전시실의 벽면에 칠판을 세우고, 작가 자신이 초크에 의한 무수한 경찰안에 써서 영자를 지우는 행위를 통해서, 사고의 흔적을 제시해, 창조에의 길을 상징하고 있는 것일까라고도 읽을 수 있다.
계단의 전시실 내 작가 𠮷다 모모코의 대작《E9 equip,after the banquet》(454.6cm, 세로 181.8cm)이 나를 맞이해 주었다.
𠮷다가 그리는 실내의 인물상과 원탁상의 많은 음료의 병 등에는 의류·식·주 등 오늘의 생활 스타일이 떠오른다.
하지만 인물의 표정에서 오늘의 정보화나 소비사회의 현상에 대한 회의적인 시선이나 시대에 흘러가는 세대의 확산에 대한 감개라고 말한 것이 간취할 수 있다고 해서 입은 견해가 될까.
𠮷田의 독특한 제작 프로세스는 먼저 이미지를 바탕으로 캐릭터의 입체 모형과 배경을 제작해 동영상에 담아 거기에서 추출한 1컷을 밑그림으로 한다고 한다. 이 과정을 거쳐 𠮷다가 현실 세계로부터 의식적으로 거리를 두고 자신의 상상력으로 '현대의 초상화'를 목표로 하는 창작 자세가 작품에 투영되고 있다.
카네우지 텟페이의 13개 파빌리온을 설치미술(공간예술)로 구현한 작품군은 개성파로 가득하다. 카네우지 씨는 신작과 구작을 십여 점의 파빌리온으로 구성해 전시장 내에 배치했다. 몇몇 작품명을 열거하면 '지옥의 파빌리온', '추상회화의 파빌리온', '추상조각의 파빌리온', '신문공장의 파빌리온' 등이다.
그 파빌리온들은 엑스포와는 무관하며, 김씨의 아이디어 집적체로서 개인적 역사, 시간, 문화적 흐름 같은 관심사를 조형화하고 있다. 일본을 대표하는 현대미술가 가네우지의 기지가 넘치는 표현의 폭넓음을 실감할 수 있는 구성이었다.
저는 1994년에 오사카에 있던 갤러리 KURANUKI에서 열린 이시하라 토모아키의 개인전 '미술관에서 맹인과 투명인간이 만났다고 하자. 』를 보았다. 그 때의 리플릿에, 이시하라가 전한 문장의 말미의 「미술관의 문은 열리고 연애가 시작된다」가, 지금도 잊을 수 없다.

 

1980년대 이시하라는 회화적인 배경막 앞에 자신의 등신대 누드 사진을 사용하여 예술과 지각의 근원을 쫓고 있었다. 90년대경부터는 렌티큘러를 사용한 3D 회화나 사진의 콜라주 등에 의해 독자적인 표현 스타일을 발표.
이번에는 《ISM-대체물》《투명한 유령의 복합체》의 2개의 시리즈를 전시했다. 《ISM-대체물》은 3D 스캔한 자기의 신체 데이터를 바탕으로 3D 프린터로 출력한 파트를 적층한 입체자사상이라고 한다. 《투명한 유령의 복합체》에서는, 자신의 모발을 스캔하여 벡터 데이터에 수치 변환, 필름 출력 후, 입체적인 인화지에 베이킹, 캔버스에 프린트한 것이다.
이들 시리즈 중 어느 것도 작가 자신의 신체가 소재가 되어 아날로그에서 디지털, 이미지, 사진, 회화로 차원 변환을 한 기술의 산물일지도 모른다.
우리는 오늘의 AI 시대의 와중에 있어 앞으로의 인간상을 고찰하는데 있어서, 현재의 사회에 새로운 시점에서 창작하는 이시하라 작품의 전개에는 눈을 뗄 수 없을 것이다.

 

　한편 공공 공간 벽화 제작에 의욕을 보이고 있는 카와타 사토시는 1970년 오사카 만국박람회의 상징이 된 오카모토 타로의 「태양의 탑」에서 영감을 얻어 프레스코화 《타로의 색과 형태×퍼블릭》(2023년)을 시가현립 도예의 숲에서 발표하고 있었다.
　카와타는 오카모토 타로의 조형 표현과 원색의 역동성에 매료되어 변모하는 현대 사회에서 '이동'과 '변화'를 고찰할 기회를 작품에 담았다.
이번에 그 작품을 스트라포 기법으로 도예의 숲에서 센바 엑셀 빌딩으로 이동시켜 전시했다. 나는 카와타의 벽화에 원시적이면서도 생명력 넘치는 토착성을 현대와 연결하고 있다고 느꼈다.
　사진과 영상으로 이루어진 《AMA(두 마리의 만남)》은 현대 사회에 민족·인종·국가와 인간의 생과 죽음 같은 문제를 제기하고 있다.
　작품명 《AMA(두 마리의 만남)》은 '바이러스'를 키워드로 삼았으며, 김은 “바이러스에는 인간의 진화와 타자화의 역사적 기억이 새겨져 있다”고 말한다.
　또한 김은 생물의 진화, 감염병의 역사, 민속학, 해부학, 문화인류학 등 다양한 분야의 지식을 접목시키면서 작가만의 독특한 이야기 세계를 통해 개인과 집단이 '타자'와 어떻게 마주하고 공존해 나가는지를 사진과 영상에 담아내고 있다. 우리는 작품을 통해 사람과 사람 사이의 차이와 다양한 가치관의 공존을 인식하고, 공생하는 사회에 대한 이해를 공유해야 한다는 점을 느끼지 않을 수 없을 것이다.
또 하나의 콜라보레이션에 의한 작품《기적의 숲 EXPO'70-생성 AI에 의한 영상 Ver.2(영상 인스톨레이션)》은 하타 쇼우오+에나쓰 마사아키+에나쓰 유요에 의한 필견의 전시 코너일 것이다.

 

초기 1970년 오사카 만국박람회 부지에는 비즈니스 센터 건설이 예정되어 있었다. 그러나 오사카의 급속한 도시화와 환경 문제에 대한 사회적 관심이 높아지면서 '녹지로 둘러싸인 문화공원'으로 방향이 전환되었다. 하타 요시오는 국내 최대 규모의 도시공원(통칭) '만박의 숲'을 2021년부터 사진 촬영을 시작했다. 이 사진 작품들과 에나츠 마사아키(음악), 에나츠 요시히로(영상)와의 협업을 통해 AI가 예측한 2070년의 '기적의 숲'을 작품화했다. 어떤 의미에서 '연결로 둘러싸인 문화공원'은 인위적으로 산림화된 셈이다. 자립적 순환이 가능한 숲의 형성에 100년이 걸린다는 말도 있는 가운데, 현재 '만박의 숲'은 수많은 곤충과 야생조류가 서식하는 공원이 되었다.
지구의 온난화, 대기 오염, 환경 파괴가 심각해지는 오늘. 도시에서 초록색이 사라지는 가운데, 이번 ‘만박의 숲’의 영상은, 어떻게 생성 AI를 받아들여 제작된 작품과 참새도 우리에게 삼림에 서식하는 생물의 존재나 인간다운 영업을 시사해 준다.
그런 일로부터, 필견의 코너라고 말한 것이다.
본 회장에서 한때 인간 에너지로 가득한 전시는 ‘가마가사키 예술대학’. 통칭 ‘가마가사키’는 일찌기 고도 경제성장기 오사카를 지지한 일본 최대의 기지로 알려져 있다. 현재는 시간의 흐름과 함께 노동자의 실업과 고령화 등의 문제가 산적하고 있다.
최근에는 인바운드도 있어, 외국인 거주자의 증가나 관광객의 유치 등, 새로운 과제도 일어나고 있다. 이런 상황 하에서, 가마가사키를 재챌린지의 거리로 파악해, 지역사회와 깊게 연결된 아트에의 대처가 태어난다.
'배우고 싶은 사람이 있으면 거기가 대학'이라는 이념 아래 2012년에 NPO 법인 '코토토코코로의 방(코코룸)'이 개강했다. '만남과 표현의 장소'로서의 '가마가사키 예술대학'은 지역 주민뿐만 아니라 국내외 여행자와 아티스트 등 다양한 사람들과 교류하는 장소가 되고 있다.
한편, 코코룸은 국제교류기금으로부터 “예술·문화 활동을 통해 일본과 해외 시민들 간의 유대감과 협력을 강화하고, 서로의 지혜와 아이디어를 교환하며 함께 고민하는 단체”로 인정받아 2020년도 지역시민상을 수상했다.
　이 NPO법인 코코룸 활동의 멤버 중 한 명인 시인 우에다 카나요의 존재감은 크다. 우에다 카나요가 2012년에 설립한 '가마가사키 예술대학'은 일하며 생활하는 지역 주민들을 대상으로 호소하며, 분야를 넘나드는 다양한 활동을 현재까지 이어가고 있다.
다시 예술(ART)을, 광사원으로 당기면 “일정의 재료·기술·양식을 구사해, 미적 가치를 창조·표현하려고 하는 인간의 활동 및 그 소산.조형 예술, 표현 예술, 음향 예술, ​​또 시간 예술과 공간 예술 등, 시점에 따라 여러가지로 분류된다”라고 한다.
그렇다면 예술이란 '만든다'는 행위일 것이다. 그리고 의식하거나 무의식적으로 '만들기'도 포함될 것이다. 확대 해석하면 우리의 일상의 '옷', '음식', '주거'도 예술이 아닐까.
이번, 그 대처로부터 태어난 그림, 시, 책, 음악, 연극, 신체 표현 등이 전시되어 전시실 전체를 뜨거운 메시지로 메우고 있는 경치에 공명했다.

 

●매듭에

이번 Study : 오사카 간사이 국제 예술제는 '아트와 아트가 아닌 것의 경계란?' '인간은 왜 아트를 보고 싶은가.'
Study：오사카 간사이 국제예술제의 전시회장에서의 작가의 조합에 의한 작품군은, 전시 장소의 역사와 사람들의 기억이나 사고를 환기시키는 내용이라고 해도 과언이 아닐 것이다.
오늘의 “분단의 시대”에 아트에 무엇을 할 수 있을까를, 많은 작가가, 작품의 대부분에 「인간과 무엇인가」를 묻고 있는 씬에, 내일에의 기대를 생각하는 것은 나만이 아닐 것이다.
무엇보다 “분단의 시대”에, “아트에 무엇을 할 수 있을까”라고 신시대에의 문을 열었다 Study:오사카 간사이 국제 예술제 실행 위원회의 혜안에 경의를 나타내고 싶다.
아울러, 박람회장 이외의 회장 선택이나 전시자세에는 축제 분위기의 박람회장과는 달리 관객 한사람 한사람에게 인간이란 무엇인가 사회적 사상이라고 말한 무거운 테마가 반영되어 있었다.
이와 같이 박람회장과는 대칭적인 예술제를 기획한 관계자의 예술적이고 고도의 과제를 정한 대처를 높이 평가하고 싶다.

 

[주] 본문의 집필에 즈음해, 참고로 한 도록이나 서적으로부터 많은 시사를 받았다.

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