전시 풍경: photo by Kohei Matsumura

회장 안쪽에서 벽에 엎드린 여성이 있다. 그녀는 어떻게 한 것일까 하는 생각이 한순간 머리를 지나지만, 곧바로 이 전람회가 하이퍼 리얼리즘 조각의 전시였던 것을 기억한다. 그리고 여성이 작품일지도 모른다는 생각과 살아있는 인간일지도 모른다는 생각으로 돌아간다. 이때, 감상자의 뇌 내에는 슈레딩거의 고양이 ¹ 과 같이 2개의 리얼리티가 존재하고 있다.

오사카 문화관 텐포잔에서 개최되고 있는 「리셰이프드 리얼리티：하이퍼 리얼리즘 조각의 50년」은, Study：오사카 간사이 국제 예술제 2025의 「제2장：인・명에 대한 고찰」에 해당하는 전람회이다. 이 전시회는 27조의 아티스트에 의한 39개의 작품을 통해 1960년대 후반부터 70년대 초반에 시작되었다고 하는 하이퍼 리얼리즘의 오늘까지의 흐름을 총관하려고 하는 것이다.
이 운동의 선구자이기도 한 드웨인 핸슨의 "Bodybuilder"(1989-90)와 유럽에서 동 운동을 견인한 잭 버듀인의 "Pat & Veerle"(1974)은 그 형태와 피부의 질감, ​​표정의 점에서 매우 정교하게 표현하고있다.

1: 1935년 오스트리아 물리학자 엘빈 슈레딩거가 발표한 고양이를 사용한 사고 실험. 상자 안에 고양이와 방사성물질, 검출기, 독가스 발생장치를 넣고 방사성물질이 붕괴되면 독가스가 방출되어 고양이는 죽고, 붕괴하지 않으면 고양이는 살아남는다. 양자역학에서는 관측할 때까지 입자가 복수의 상태를 동시에 취하기 때문에, 상자를 열어 관측할 때까지 고양이는 "살아 있는 상태"와 "죽은 상태"가 겹치고 있다고 생각되며, 이 매크로 대상에 양자역학의 이론을 적용하는 것의 불가해함을 지적한 것.

인간의 클론과 같은 작품을 감상하는 체험에 대해서는 1835년 런던에 창립된 마담 투소관에 있는 왁스 인형들을 상기시키는 사람도 있을 것이다. 밀랍 인형의 문화는 데스 마스크에 가장자리를 내고 있다고합니다. 그리고 권력자의 위대함을 상징하는 목적으로 활용되거나 해부학의 연구, 교육을 위해 활용된 사례를 들 수 있다.
하지만 핸슨이나 버듀인의 작품을 포함해 하이퍼 리얼리즘의 모티브는 유명인이나 신화나 종교에 등장하는 인물이 아니라 현대사회에 사는 일반적인 인물인 경우가 많다. 이 점에서 마담 투소관과는 명확하게 다르다. 하이퍼 리얼리즘에 있어서 중요한 점은, 대상을 리얼하게 표현하는 것인 동시에, 사람들의 리얼리티 그 자체를 표현해, 리얼리티에 대한 사고를 환기하는 것이다.
이 의미에서 옷을 입은 채로 살아있는 인간의 형취 기법을 확립하고 인간과 그것을 둘러싼 환경을 조각 작품의 모티브로 한 조지 시걸의 작품은 모노크롬이지만 하이퍼 리얼리즘과 뿌리를 공유하고 있다고 할 수 있을까.

또, 시갈의 확립한 형취 기술은, 그 후의 표현에 큰 영향을 주었지만, 소재나 기술은, 대상을 어떻게 리얼하게 표현할 수 있을까 하는 점에 크게 관련된다.
이 전람회에 출전되고 있는 작품에도 다양한 소재가 사용되고 있다. 예를 들어, 브라이언 부스 크레이그, 로버트 그레이엄, 존 데 안드레아 등의 작품은 청동으로 만들어졌다. 청동은 그 경도 때문에 피부의 디테일까지는 재현할 수 없지만, 그만큼 형태가 강조된다. 또한 핸슨이나 버듀인과 같이 수지를 사용하는 경우에는 형취시에 피부의 질감까지 어느 정도 재현할 수도 있다. 또한 금형을 기반으로 한 추가 조형 등도 쉽습니다.
하지만 청동이나 수지에 있어서 인간으로 보이는 표층을 재현하기 위해서는 착채할 필요가 있다. 따라서 피부 투명감의 재현은 어렵다. 그리고 결정적인 것은 이러한 소재는 털을 심을 수 없기 때문에 체모를 재현할 수 없다는 점이다. 산모가 없다는 점은 분명 실제 인간과는 일반적으로 다르지만, 요즘 탈모 같은 흐름이 반대로 작품들을 당시보다 리얼한 것으로 보여주고 있다는 것도 있을까.

이러한 소재에 대해 현대의 ​​작품의 머티리얼과 기술 변화는 하이퍼 리얼리즘에 몇 가지 전개를 가져왔다. 예를 들어, 부드러운 실리콘은 피부의 요철이나 주름과 같은 세세한 부분, 투명감이나 색감까지 재현 가능하고, 털을 심을 수 있기 때문에 산모를 표현하는 것도 가능하게 되었다. 톰 큐블러의 《Ethyl》(2001)과 카즈 히로의 《Andy Warhol》(2013), 발터 카조트의 《Stringiamoci a coorte》(2017), 샘 징크스의 《Woman and Child》(2010)을 보면, 이러한 디테일의 훌륭함.

한편, 표면의 디테일을 재현하는 것과는 다른 소재, 방법으로 리얼한 표현을 시도하는 아티스트도 있다. 예를 들어, 마틸다 테어 하이네는 자신을 모방한 조각을 전시하고 있지만, 이것은 마네킹이다. 다니엘 퍼먼은 본문의 시작에도 접한 벽에 엎드려 있는 여성의 작품 "Caroline"(2014)을 전시하고 있지만, 이 작품도 기본은 마네킹이다. 그리고 이번 전시에서 가장 특이한 점은 퍼먼의 작품만은 전혀 피부가 노출되지 않고 사람에게 보이기 위해 피부의 질감을 재현한다는 것을 전혀 하지 않았다는 점이다. 그래도 실루엣만으로 인간과 착각시키는 그 효과는 하이퍼 리얼리즘의 전제를 뒤집는 것이다.
또, 그레이저/쿤츠의 「Jonathan」(2009)은 이 전시 중에서는 특이한 사례라고 말할 수 있을 것이다. 이 작품은 석고로 만든 휠체어에 앉아 남자의 얼굴에 프로젝션을 하는 것으로 대상이 실제로 살아 말하는 것처럼 보이고 있다. 다른 작품들이 대상의 순간을 포착하고 형태로 하고 있는 것에 비해, 동적으로 변화하는 본작은 기술에 의해 가능하게 된 새로운 리얼한 표현이라고 할 수 있다.
앞서 언급했듯이 대부분의 인체 조각은 정지하는 모습 혹은 일순간을 포착하고 있다고 할 수 있지만, 순간성에 특화함으로써 현실의 동적인 리얼리티를 표현하는 과정도 있다. 예를 들어 캐롤 에이 포이어맨은 물에서 얼굴을 내놓은 순간 수영의 모습을 작품화한다. 그 능숙한 물방울의 표현은 지금 바로 수면에 올라온 역동감을 느끼게 한다. 마크 사이장의 조각은 벌거벗은 남녀의 포옹이나 노숙자 여성의 허무한 표정 등 동적인 순간성은 아니지만 우리가 평소 눈을 돌려 버리는 순간/대상을 그린다.

또한 사이장의 작품은 인간이 놓인 환경에 따라 리얼리티라는 것이 변화한다는 것을 상기시킨다. 그것은 "사람의 리얼리티 그 자체를 표현"하는 하이퍼 리얼리즘을 포함한 리얼리즘에 관한 여러 가지 표현에 통저하는 "리얼리티"라는 개념에 대한 질문이기도 하다.
예를 들어, 론 뮤에크와 젤코 바제스키의 작품은 사이즈라는 관점에서 접근하고 있다. 무서운 노인의 등이 작게 보이도록, 자신에게 넘치는 보통 남자의 등이 크게 보이도록, 실제 물질로서의 리얼리티와 인식에 있어서의 리얼리티는, 종종 괴리하는 것이다.

또 사람들을 둘러싼 환경이란, 생활이나 입장을 가리키는 것과 동시에, 사회통념이나 환경을 가리키는 말이기도 하다. 여성과 냉장고를 일체화시키는 것으로, 사회에 있는 젠더 격차에 대해 묻는 앨런 존스의 《Refrigerator》(2002). 바나나라는 남성적인 모티프와 벌거벗은 여자를 겹쳐서 상거래 리듬 속에서 소비되는 여성상에 대해 묻는 멜 라모스의 "Chiquita Banana". 그리고, 기존의 관념에 대해 유머러스에 재검토하는 마우리치오 카테란의《Ave Maria》(2007). 그들의 작품은 사회에 넘치는 기존의 가치관과 이에 수반되는 리얼리티에 대해 표현 속에서 문제제기를 하고 있다.

우리를 둘러싼 환경에 대해 이 운동이 시작된 1970년대와 현대와 분명히 다른 점은 디지털 기술을 포함한 과학기술의 발전일 것이다. 에반 페니의 작품은 이미지를 포토샵 등으로 가공해 왜곡한 후, 3차원으로 왜곡된 이미지를 일으켜 오는 것으로, 이미지로서 세계를 인식하는 의미를 생각하게 한다. 토니 마텔리의 "Josh"(2010)에 표현된 중력을 잃은 것 같은 신체는 최근 우주 개발에 의해 확장된 우리의 새로운 리얼리티를 연상시킨다. 패트리샤 피치니니의 작품은 유전자 변형에 의해 언젠가 태어날 수 있는 새로운 생명의 형태를 표상함으로써, 우리에게 있어서의 생명이란 무엇인가라는 근원적인 질문을 환기한다. 그것은, 다시 말하면 「미래의 리얼리티」를 모색하는 것이다.

본전에서의 작품군은 대체로 이러한 흐름 속에서 파악된다. 하지만 약간 약간 방향성이 다른 것이 있다.
첫 번째는 벨린데 드 브뤼케레의 《엘리》(2009)이다. 많은 리얼리티 조각은 살아있는 모습, 생생한 모습을 표상한다. 하지만 사이장이 사람들이 눈을 돌리는 상황을 조각한 것처럼 조각이기 때문에 표현할 수 있는 인간의 모습도 있을 것이다. 그 하나가 '죽음'이다. 그 자체는 삶이 되어 합쳐져, 우리에게 있어서 당연한 것일 것이다. 이 작품은 생명에 내포되어 죽음의 리얼리티에 대해 묻는다.

두 번째로 파비오 비아레의 "Venere Italica"(2021)이다. 본작은 고대 로마 조각의 대리석에 의한 모형이다. 그러나 그 표면은 발포 스티롤처럼 가공되어 있다. 따라서 머티리얼에 관한 오인을 환기하는 가짜 머티리얼리즘이라고도 부르는 작품이다.

지금까지 접해 온 작품군에서도 알 수 있듯이 이 전람회에는 이른바 하이퍼 리얼리즘의 틀을 넘은 리얼한 표현을 도입한 컨셉츄얼 아트나 시각 인식을 흔드는 속이 그림적인 작품도 포함되어 있다. 따라서 타이틀인 '리셰이프드 리얼리티'는 이 전시회의 다양한 작품군을 정확하게 나타내고 있지만, 한편으로 부제의 '하이퍼 리얼리즘 조각의 50년'에는 약간 오해를 초래하는 측면이 있다는 것도 지적해 두고 싶다.

그렇다고는 해도 본전의 본질적인 의의는 현실 그 자체를 재검토하고 우리의 인식의 본연의 방식을 흔들어 일상적인 시점을 재구축하는 점에 있는 것이다.
예를 들어, 제이미 연어의 작품은, 표면적으로는 매우 정교한에도 불구하고, 굳이 하리보테의 뒷면을 보이는 것으로, 겉보기의 리얼이 얼마나 취약하고, 표층적인 것에 지나지 않는가를 드러낸다. 거기에서 떠오르는 것은 우리가 믿는 현실의 불확실성이다.
그리고 전시회의 마지막에는 산티시미에 의한 《IN VIVO(M1)》(2013)이 전시되어 있다. 살아있는 인간이 잠들면서 케이스 안에 갇혀 있는 것 같은 이 작품은 동 전람회에서 유일하게 접할 수 있는 작품이다. 전시회를 통해 다양한 작품을 만나 기존의 가치관에서 풀려난 감상자의 리얼리티는 자신의 몸을 가지고 대상을 만지는 것, 지금 거기에 있는 것을 재인식함으로써 현실로 착지한다.

가상 리얼리티나 메타버스와 같이, 피지컬과는 다른 리얼리티의 계층이 탄생하고 있는 현대. 게다가 가짜뉴스에 의해 '리얼'이 교란되는 상황도 함께, 우리의 인식은 과거에 불안정한 지반 위에 세워지고 있다. 본전은 그러한 시대에 있어서의 「리얼리티」라는 개념의 위험함을 날카롭게 비춘다.
이 매우 훌륭한 세계 속에서 그래도 우리는 주관적인 리얼리티와 대화를 하면서 다양한 존재와 그들의 현실과 함께 춤을 추어 갈 수밖에 없는 것이다.

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